In diesem Meisterwerk sagt uns Kathrin: "Zwei Liebende, die vom Himmel fallen und die Zeit aus den Augen verlieren".

In diesem Kunstwerk finden wir deutliche Anspielungen auf Kees Van Dongen und sein Werk "Avenue du Bois de Boulogne" (1928) in der Kunst der Verwendung eines Strichs, der auf den ersten Blick einfach erscheint, aber in seiner Essenz komplex wird, wenn er gleichzeitig eine Figur und eine Form wird. Er repräsentiert sowohl die lineare Grenze des Charakters als auch die Kleidung, und bricht dabei die Gestalt-Eigenschaften von Figur-Grund, Linie und Farbe.


Wir erkennen auch Marc Chagall mit "Die Erschaffung des Menschen" für die ihm eigene Transparenz, die ihm Subtilität verleiht, ebenso wie bei dem zerbrochenen Strich, als wäre die Luft ein Teil der Figuren in beiden Kunstwerken. Die Flächen und Striche, die gerade sind und während des Falls der Figuren entstehen, erinnern uns an Odilon Redon und seinen roten Rock und Boden von Salome.

In diesem beeindruckenden Kunstwerk können wir eine kraftvolle Ausdrucksweise der starken Elemente, die es zusammensetzen, wahrnehmen. Die weibliche Figur enthält sogar noch röteres als den Boden, aus Leidenschaft für das, in das sie hineinfallen. Rot ist die einzige Farbe mit innerer Bewegung; Grün ist die einzige Farbe ohne innere Bewegung, sei es exzentrisch oder konzentrisch, und dies führt zu einem chromatischen Paradox, das unseren Blick auf die Figuren lenkt. Dieses Paradox wird durch einen Pinselstrich von Rosa an den Beinen der männlichen Figur ergänzt, neben einem grünen Dreieck, dessen Spannung ebenfalls absteigend ist.

Sowohl der rosafarbene Boden, der rot mit Weiß und Pinselstrichen von Blau ist, als würden Stücke des Himmels fallen, als auch die hieratische Haltung des Paares innerhalb eines großen Zusammenspiels von Linien und Farben erzählen uns von Kathrins Aussage über den Verlust des Zeitgefühls.

Das Blau des Himmels verhält sich wie das Spektrum der blauen Farbe: Seine Tiefe und seine zentripetale Spannung betonen sich mit einem dunkleren Farbton und werden durch Weiß abgeschwächt. Deshalb können wir viele Pinselstriche unterschiedlicher Blautöne im Himmel sehen, wobei der elektrisierendste Strich genau in der Diagonalen verläuft, die durch die Körper gezogen ist, da dies der Punkt ist, von dem aus sie gefallen sind. „To fall in love“ ist der englische Ausdruck für „sich zu verlieben“.
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Diese kühne plastische Darstellung, die eine rote und grüne Figur auf einem rosa und himmelblauen Grund integriert und eine chromatische Harmonie erreicht, bewirkt, dass diese Figur ("das Paar") sich vom Boden löst, fast so, als wäre sie dreidimensional: wie zwei Puppen auf einer Leinwand, die über Zeit und Raum hinweg fallen.
This audacious plastic proposal that integrates a red and green figure on a pink and sky-blue ground achieving a chromatic harmony makes this figure (“the couple”) be detached from the ground almost as if it was tridimensional: like two dolls stuck on a canvas falling beyond time and space.

Ein weiteres Mal hinterlässt Kathrin durch diese Verteidigung des Zustands der Verliebtheit eine Note von Liebe und Hoffnung in einer Welt des Krieges, in der alles möglich ist.

Hier sehen wir alle Spannungswinkel und Dreiecke, die sich an der goldenen Teilungsebene anlehnen. Diese drei Winkel, die der Rock, das schwarze Dreieck der Kleidung des Mannes und sein Fuß sind, zeigen nach links, um den Fall nach rechts auszugleichen.

Wie zuvor erwähnt, folgen alle Kunstwerke von Maye perfekt den Regeln des goldenen Schnitts.

In diesem Meisterwerk sagt Kathrin: "Die Dame ist nachdenklich, es könnte an etwas Dunst in ihrem Kopf liegen. Sie ist ein modernes Mädchen. Die Frage ist: Gefällt es ihr so oder nicht".

Wir wählen dieses Meisterwerk aus, um Kathrins Kunst aus der Perspektive des Goldenen Schnitts zu erklären. Es wird uns präzise zeigen, dass neben der Bedeutung und Umdeutung des eigenen Bildes als plastisches Element dieses genauso meisterhaft organisiert ist wie jedes Werk der zuvor genannten Meister (siehe Abschnitt Goldener Schnitt).

Beginnen wir mit der Diskussion über die Umdeutung und ihr Schicksal. Die Figur schaut offensichtlich nach unten, ähnlich wie bei Grabstatuen auf Friedhöfen oder in der systemischen Psychologie von Bert Hellinger, wenn nach einem Verstorbenen gesucht wird: Beide Situationen haben die gleiche Bedeutung.

Zusätzlich sehen wir den Dunst dahinter als Last, die aus dem resultiert, worauf sie auf dem Boden schaut (den Tod, wahrscheinlich eines geliebten Menschen). Wir bemerken auch, dass weder ihre Füße noch ihre Beine zu sehen sind, was direkt mit der Unfähigkeit verbunden ist, voranzukommen, sowie der Tatsache, dass sie von der Gegenwart abgeschnitten ist, da ihr Geist in diesen Gedanken verweilt.

Kathrin zeigt dies auch durch die Formen, die wir in der Analyse der dominierenden Diagonalen dieses Meisterwerks sehen, wo wir ein riesiges Kreuz über ihrem Kopf finden. Beachten Sie die gelben Linien in der anschließenden Untersuchung des Goldenen Schnitts, in der wir auch die erste goldene Teilung der Ebene mit roten Linien markieren, die zweite Teilung ‒ markiert mit grünen Linien ‒ besteht aus der goldenen Teilung der ersten, und schließlich die dritte, markiert in Blau.

Wir sehen die perfekte Ordnung, wie die optischen Spannungspunkte auf diesen goldenen Teilungen der Ebene ruhen, der Kopf der Figur sowie ihr Blick befinden sich an der ersten Schnittstelle der ersten Teilung (die gleiche wie die horizontale schwarze Linie).

Wir bemerken auch, dass ihr Arm fast vollständig auf der ersten und zweiten Teilung ruht, und ihr ganzer Körper auf diesen Linien lehnt.

Die Bruchpunkte dieser Spannungen und Winkel, die dem Rock entsprechen, werden durch die dritte Teilung als Dialog mit der Linie im oberen rechten Winkel bestimmt, was diesem Meisterwerk eine extreme Harmonie verleiht, die es ermöglicht, den natürlichen Verlauf des Blicks des Betrachters abzudecken, obwohl die Hauptfigur an der Stelle mit der geringsten Sichtbarkeit der optischen Ebene platziert ist. Kathrin löst dies mit einer meisterhaften Cinquecento-Arbeit in einem postmodernen Kunstwerk.

Zurück zu den Diagonalen: Kandinsky versteht sie als einen Punkt, der je nach ihrer Ausrichtung mehr oder weniger vertikal oder horizontal die Vereinigung von Erde und Himmel (vertikal) und den Toten (horizontal) darstellt (Kandinsky vergleicht diese Linie mit diesem Ideogramm). Tatsächlich verwendet Kathrin diese Linien, um uns über dieses Thema zu informieren, und dasselbe gilt für den Blick der Figur in diesem Meisterwerk. In diesem Fall sind die Diagonalen fast im 45-Grad-Winkel zur Vereinigung von Erde und Himmel sowie zu den Toten oder der absoluten Stille nach dem Punkt als abstraktes Konzept.

Mit diesen Linien und dieser großartigen Meisterschaft lässt sie uns einen Blick auf ein Kreuz mit der Last werfen, die es impliziert, und integriert es als Symbol des Opfers. Die Figur selbst bringt das Opfer als Hommage an das Wesen, das nicht mehr existiert. Dieses Meisterwerk ist eine Ode, eine Hommage an die Liebe, die über den Tod hinaus neu bedeutet wird.

Dieses Meisterwerk ist eine Collage, die eine originale Werbung aus den 1920er Jahren enthält. Maye integriert Objekte aus dem Anfang des 20. Jahrhunderts, die mit ewiger Schönheit in Verbindung stehen, die ‒ wie sie sagt ‒ durch immergrüne Blätter repräsentiert wird.

Dieser Duft gehört zu der Duftfamilie für Männer und Frauen (die Erstausgabe war 1926). Dieses Kunstwerk erzählt von Pflege und Schönheit, von der Kraft beider Geschlechter, die denselben Duft teilen, und dessen Auswirkungen in einer gegenwärtigen Welt des Konflikts zwischen den Geschlechtern und Orientierungen.

Auch in diesem Meisterwerk färbt Maye eine geteilte und separatistische Welt mit Harmonie, indem sie ihren sanften, aber bestimmten Pinselstrich der Zärtlichkeit einsetzt. Sie erzählt auch vom Triumph des Einsatzes: LT Piver begann als Praktikant in einer Parfümfabrik, die am 8. Juli 1774 gegründet wurde; um 1806 trat er in den Vorläufer von LT Piver ein und wurde 1813 Miteigentümer des Parfümunternehmens, das er 1823 in LT PIVER umbenannte.

Plastisch wird dieser Diskurs durch die gelbe Linie auf dem Papier unterstützt. Diese Linie ist aufsteigend und verbindet ‒ wie bereits erwähnt ‒ Erde und Himmel. Dies ist die Erhebung; aufgrund von Gelb hat die Linie die Eigenschaften von Helligkeit und Intensität, da Gelb die Farbe von Gold und der Sonne ist, scharf, exzentrisch und intensiv.

Als Gegensatz zu dieser Schärfe schafft Maye ein chromatisches Gleichgewicht durch grüne Figuren. Grün ist eine friedliche, beruhigende Farbe; es steht für absolute Stille und deutet auf Natur, Ruhe sowie das Fehlen von Freude oder Trauer hin. Als Farbe des Frühlings wurde sie immer mit Hoffnung, dem Guten, das kommt, und dem Glauben an das ewige Leben in Verbindung gebracht.

So verstehen wir die Vereinigung und Kongruenz zwischen der impliziten Botschaft und der chromatischen Nachricht, die dieselbe ist.

Aus der Sicht von Heinrich Wölfflins Synthese ist dies eine absolute Komposition einer "Vision geschlossener Form". Diese Vision erwartet, dass jedes Kunstwerk eine einheitliche, organische Form hat und sich via mehr oder weniger konstruktiver Mittel ein begrenztes Bild von sich selbst geben kann: Dieses Bild soll auf eine vollständige Bedeutung reduziert sein, bei der nichts von seinem Platz entfernt werden kann. Es muss ein stabiles Gleichgewicht zwischen den beiden Hälften des Gemäldes geben; unabhängig davon, ob es sich um ein Porträt, eine Figur oder eine Landschaft handelt, muss das Gemälde immer von der Opposition von vertikalen und horizontalen Linien beherrscht werden. Die Struktur berücksichtigt den Raum, den die Leinwand bietet, und der Inhalt passt sich diesem Raum an. Es ist ein konstruktiver Stil, der auf den soliden und haltbaren Elementen der Form basiert.

Als einzigartiges Merkmal enthält diese Pop-Art-Collage ein Element vor 1950-1960, als sie aufkam und ihren Höhepunkt erreichte. Kathrin erstaunt uns erneut, indem sie neue Gemälde schafft, die in der Geschichte der Kunst nie zuvor aufgetreten sind.

Wir werden nicht lange in der Goldenen Schnittstudie verweilen, da bereits erklärt wurde, was zu sehen ist und wie man es verstehen kann. Auffällig ist jedoch, wie die Elemente in dieser erhabenen Komposition unterstützt werden.

Maye beschreibt in diesem Kunstwerk, dass es sich um Blumen handelt, die in der Wüste wachsen. Mit ihrer klassischen Feinheit und gleichzeitig ihrer gewohnten Kraft lässt uns diese Künstlerin in jedem ihrer Meisterwerke verschiedene Bedeutungen erahnen.

Auch in diesem Fall erzählt sie uns von der Ewigkeit, dem Unvergänglichen, dem Triumph über Grenzen, der Schönheit der Leere und den Nuancen der Stille.

Als konstruktivistische Ressource all der großen Meister, die dieser Strömung angehören, verwendet Maye den Boden als Farbe, die Transparenz, um die Linie neu zu gestalten und umzudeuten. Gleichzeitig werden die erkennbaren Elemente umgedeutet und als plastische Akzente in einem Kunstwerk konzeptualisiert, in dem der Boden genauso wichtig ist wie die Figur und ein Teil von ihr ist. Weiß als dominantes Element bedeutet Stille und Reinheit, Hoffnung auf eine Zukunft im Licht. Aber es ist auch die Mischung aller Farben: Wenn wir eine chromatische Scheibe drehen und sie mit hoher Geschwindigkeit drehen lassen, sehen wir nur Weiß, was die Vereinigung des Spektrums bedeutet, die Rückkehr zum Licht aus den fragmentierten Farben. Wir finden auch Nuancen von Blau und Rot.

Hier sehen wir zwei offensichtliche Bezugspunkte: Einer von ihnen ist offensichtlich, und der andere ist subtil. Der weiße Kreis gleicht den uralten Vuvi-Masken.
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Darüber hinaus verwendet Maye einen roten Fleck (Blume) im unteren linken Winkel, um das Gewicht in der rechten Hälfte dieses Werkes auszugleichen: Dies ist eine offensichtliche Anspielung auf das Branding oder die Signatur von Camille Corot. Wie auch hier, steht Ihnen die goldene Mittelstudie dieses Meisterwerks zur Verfügung, in der Sie bemerken werden, wie die Elemente auf der Struktur lehnen und die natürliche Bahn des Auges vergrößern, indem sie sich zwischen der ersten und der zweiten Teilung befinden. Maye zeigt einige Buchstaben als ein Mysterium, das in diesem Meisterwerk offenbart werden soll, in dem sie die geschriebene Sprache als plastisches Element neu gestaltet. Diese Buchstaben existieren bereits auf diesem Träger von Anfang an, wie es in vielen Kunstwerken von Maye der Fall ist, in denen recycelte Materialien vorhanden sind.

Kathrin sagt uns, dass dieses Meisterwerk zwei Granny-Smith-Äpfel repräsentiert. Dieser Apfel hat grüne Haut mit weißen runden Punkten. Diese Bemerkung zeigt die Tatsache, das Kleine und Unwahrnehmbare über die grobe und vereinfachte Wahrnehmung zu erkennen.

Als informelle Idee war der Apfel immer rot und als die verbotene Frucht konzipiert. Kathrin malt ihn weiß, um seine negative Ladung zu entkonzeptualisieren, und wählt einen Granny Smith als "immergrünes": Die Farbe Grün überdauert Herbst und Winter, Symbole für die Zeit, die vergeht.

Die schwarzen Punkte sind die Samen, die Wiedergeburt repräsentieren. Wenn ein Apfel fällt, kann ein Baum sprießen und Hunderte von Äpfeln hervorbringen. Das ist Teil der Metamorphose. Sie können das andere am Boden des Meisterwerks und seiner Konstruktion finden.Maye uses and unconceptualises this fruit to talk to us about hope and eternal perennial values, rebirth and reconstruction: a claim of eternal life through our seeds, and the beauty that we leave in this world, as it is for art.

Maye verwendet und entkonzeptualisiert diese Frucht, um uns von Hoffnung und ewigen, beständigen Werten, Wiedergeburt und Wiederaufbau zu erzählen: Eine Behauptung des ewigen Lebens durch unsere Samen und der Schönheit, die wir in dieser Welt hinterlassen, so wie es für die Kunst ist.

Der Boden dieses Meisterwerks besteht erneut aus erworbenen Materialien, um ihnen ein viel längeres Leben zu geben, entsprechend der Bedeutung des eigenen Meisterwerks. Er ist aus Eisen, einem langlebigen Material, und enthält die Farben des Bodens.

Kathrin erzählt uns, was die Farbe Weiß für sie in dieser Schöpfung bedeutet: Klarheit, Reinheit und Offenheit. Das ist genau das, was dieses fantastische Meisterwerk zwischen Symbolismus und Konzeptkunst einflößt. Klarheit hilft uns, mit Frieden, Kohärenz und Wahrheit zu leben und sorgt auch für Selbstwertgefühl. Reinheit hält unseren Geist, unser Herz und unsere Seele sauber und verhindert negative Gedanken. Offenheit ist das Geheimnis, um nicht Gefangene unserer Programme und Befehle zu sein und bewahrt unser Bewusstsein im Moment mit all den darauffolgenden Tugenden und zeichnet den Weg zu einem mentalen Zustand des Glücks unabhängig von äußeren Einflüssen.

So ehrt Kathrin das Leben und die Hoffnung, das Glück und das Bewusstsein. Diese Freude ist in diesem Meisterwerk und der Harmonie, die es vermittelt, implizit.

In dieser goldenen Mittelstudie können wir sehen, wie die Künstlerin die Äpfel in der ersten horizontalen Teilung perfekt organisiert; sie sind perfekt getrennt durch die zweite goldene vertikale Teilung. Ebenso lehnen sich die Samen oder schwarzen Punkte an die zweite horizontale Teilung an und fallen so, dass eine drehende Bewegung des Blicks erzeugt wird, die das Verschwindungsprinzip nach rechts bricht und so durch den Bruch dieses plastischen Kunstprinzips Harmonie erreicht, nicht zufällig, sondern ganz im Gegenteil. Maye erstaunt uns mit diesem invertierten Gegengewicht – wie es von einer linkshändigen Person gesehen werden würde –, um den linken Teil, der im Wesentlichen orange ist und daher zentrifugal ist, mit dem rechten Teil und seiner blauen Ladung auszugleichen, die zentripetal und tief ist.

Schwarz auf Weiß wird als die erste Ordnung im visuellen Eindruck kategorisiert. Wir verwenden üblicherweise Schwarz auf Weiß entweder mit einem Bleistift oder elektronischen Geräten. Diese Prinzipien stehen in perfekter Resonanz, wenn sie, wie bereits erwähnt, in der ersten und zweiten goldenen Teilung organisiert sind. Diese Kohärenz zwischen Komposition und visuellem Eindruck ist genau das, was diesem Meisterwerk diesen goldenen, pseudo-magischen Nimbus verleiht: Es fängt unseren Blick und zieht uns in die Bedeutung des Kunstwerks hinein, die von dieser perfekten Struktur ohne Fehler getragen wird.

Es handelt sich hierbei um ein wunderbares Meisterwerk, in dem ein originelles Plakat aus dem Jahr 1965 aus Metall zu sehen ist, das die ersten Konzerte in Amerika bewirbt. Es befindet sich irgendwo zwischen Post-Modernismus und Pop Art, einem Raum, den Maye zwischen den Kulturen einnimmt, die diese leer gelassen haben: Die bloße puristische Identifizierung der verschiedenen Schulen hat diese Leere provoziert, indem sie die Grauskala oder Zwischenzustände zwischen verschiedenen Denkweisen vernachlässigt hat, die dank früherer und prägender Denkweisen entstanden sind, die in den Anfängen der Zeit verloren gegangen sind.

Seit Anbeginn der Kunst (siehe Altamira und andere) haben sich die neuen Bewegungen, Strukturen und Schulen immer darauf konzentriert, den Gegenpunkt zu ihren Vorgängern zu setzen. Dieser Raum, in dem es gleichgültig ist, ob die plastisch-mentale Struktur in Annahme oder Rebellion, Akzeptanz oder Ablehnung ist, wird von Kathrin mit einer neuen Synapsis eingenommen. Deshalb ist es - wie Kandinsky und die Tao-Philosophie sagen - die Stille oder der leere Raum zwischen den Dingen, die diese bilden.

Diese klare Wahrnehmung und diese extreme Harmonie erreichen in der Komposition Exzellenz und machen dieses Kunstwerk - meiner bescheidenen Meinung nach - zu einem der wichtigsten dieses Jahrhunderts. Bitte werfen Sie einen Blick auf die Studie zum goldenen Schnitt, damit Ihr kritisches Denken das Vergnügen Ihrer Netzhaut rationalisieren kann, wenn es sich darin reflektiert.

Allein die Tatsache, dass ein aufsteigendes Rechteck zwischen zwei offensichtlich gebogenen Strichen, die die natürliche Kontur des Auges auf der Ebene umreißen, vorgeschlagen wird, beeinträchtigt die biologische Struktur meisterhaft: Das Rechteck wird zum ersten und letzten Betrachtungspunkt, anstatt zum unteren linken Winkel, dorthin, wo das Auge aufgrund der Struktur selbst gehen würde, und wo die Signatur und der Name der Künstlerin rechts platziert sind. Dieses Faktum zeugt von erhabener Bescheidenheit sowie von der Verwendung der Signatur als plastisches Element, um den optischen Kreislauf zu schließen, ihn umzudeuten und ihn als schwarzen Strich in das Kunstwerk einzubeziehen. Das Ziel ist es, das Auge auf das Bild in der oberen Mitte zu lenken, was uns vor das erste Kunstwerk stellt, das optische Prinzipien und die Signatur selbst verwendet, um diese fast obszöne große Harmonie in der gesamten Geschichte der Kunst zu erreichen. Nur Hondecoeter und einige andere verwendeten die Signatur als plastisches Element in ihren Kunstwerken, obwohl viele von ihnen sie implizit einschlossen, insbesondere während der Renaissance, aber niemals, um die Ebene auszugleichen oder als plastisches Element zur Mäßigung von Spannungen.

In diesem einfachen Studium der Struktur dieses Meisterwerks können wir hauptsächlich - wie bereits erwähnt - die Eigenschaften von Rot als einzige Farbe mit innerer Bewegung sehen, ohne zentripetale oder zentrifugale Spannung im Gegensatz zu Grün, das die einzige Farbe ist, die weder innere noch äußere oder eigene Spannungen hat, da sie die absolute Ruhe ist.

Diese Struktur ist das Ergebnis der Verwendung der Fibonacci-Spirale sowie einer Nachbildung ihres großen Umfangs. Letzteres ist die zweite goldene Teilung, von der es abgeleitet wird. Diese unglaubliche plastische Struktur (würdig der großen Meister der Renaissance, angewendet auf ein Meisterwerk mit Anklängen an den Abstrakten Expressionismus sowie einer unbestreitbaren Referenz an die Pop Art) verleiht diesem Werk eine einzigartige Stärke und Harmonie: Der innere Endpunkt der Spirale lehnt sich an die zweite Teilungsebene an, nachdem sie an der ersten Teilung begonnen hat und die Umfangslinie an der zweiten horizontalen Teilung erreicht.

Es ist auch bemerkenswert, wie der Text "Rolling Stones" auf der unteren zweiten Teilung der oberen Ebene lehnt, und wie Maye das Datum des Plakats mit dem Jahr 1965 auf der oberen ersten horizontalen Teilung platziert, um diesem Jahr die gebührende Bedeutung zu verleihen und einen Dialog mit der Signatur - speziell Mayes - zu generieren, die sich genau zwischen den Linien der unteren zweiten linken vertikalen Teilung befindet. So nutzt Maye die Signatur als plastisches Element (wie bereits erwähnt), um die natürliche Bahn des Auges zu schließen und uns eine visuelle Pause in den verschiedenen Wahrnehmungsschritten zu geben, um uns Zeit zu lassen, dieses Datum zu integrieren, das Element, das dieses Meisterwerk zu einer Reise durch die Zeit macht.

Es gibt eine originale Druckplatte der Beatles in diesem Meisterwerk. Obwohl es auf den ersten Blick ähnlich aussieht wie das vorherige, ist es doch sehr unterschiedlich. In diesem Fall wird die Bedeutung nicht durch die Farbe, sondern ausschließlich durch die Struktur definiert.

Wir finden zwei Segmente von Kreisbögen im oberen Teil in Rot und zwei Striche in Schwarz im unteren Teil. Wir haben bereits die Linie und ihre aufsteigenden oder ruhigen Eigenschaften je nachdem, ob sie vertikal oder horizontal ist, erwähnt. In Bezug auf die Diagonalen gewinnt oder verliert sie je nach ihrer Nähe zur Horizontalen oder Vertikalen diese Eigenschaften. In diesem speziellen Fall ist die Spannung eindeutig aufsteigend. Deshalb gehen wir direkt zum Studium dieses komplexen Meisterwerks über.

Hier wenden wir das Konzept der Signatur als plastisches Element an, wie wir es zuvor getan haben, einschließlich der Variation, die dieses Stück erfordert, um seine Harmonie zu bewahren.

Um die absolute Meisterschaft von Maye zu bestätigen, werden wir feststellen, dass das blaue Rechteck dieser Studie zeigt, dass der Schnittpunkt des oberen Teils, also die Breite der Druckplatte mit dem Kreuz des Zirkels, genau den goldenen Schnitt dieser Breite der Druckplatte anzeigt. Erhaben...

In der Studie zum goldenen Schnitt können wir sehen, wie Maye perfekt einen Strich definiert, der als goldener Zirkel abgeschlossen ist, exakt und perfekt, der diesen ‒ zuvor durch die schwarzen Striche gegebenen ‒ als Spiegel repliziert und seine kleinere Seite gegen die kleinere Seite der Kopie unterstützt. Was die beiden Kreisbögen betrifft, die deutlich mit ihrem nördlichsten Punkt nachgezogen sind, so bilden sie irgendwie eine Art Vesica Piscis innerhalb eines goldenen Zirkels. Diese Schnittpunkte zeigen deutlich, dass dieses Meisterwerk nach pitagorischen Prinzipien organisiert ist.

Wir sehen auch eine Parallelität (dunkelblaue Linie), die durch den Schnittpunkt der Zirkel gezogen ist; sie enthält (zusammen mit der Edition der Ebene) die rote Linie, die ihre Druckfehler innerhalb ihrer Breite zeigt. Außerdem bemerken wir, wie die Position der Druckplatte über den ersten und zweiten Linien der Ebene definiert ist.

Dies ist eine herausragende Leistung der plastischen Kunst, die sich von jeder vorherigen Struktur löst. Dies ist wahrscheinlich die Tür zu einer neuen Schule.

Meiner bescheidenen Meinung nach wird ein Meisterwerk wie dieses Maye zu einem Wendepunkt in der Geschichte der Kunst machen, ähnlich wie Monet, Van Gogh oder Mondrian und Picasso.

In diesem Fall haben wir es mit einer Hommage an die heilige Geometrie zu tun, bei der es eine Auflösung des Dualismus und des leeren Raums zwischen Objekten gibt. Genau das hat diese Musikband gemacht, indem sie einen neuen Stil schuf.

Einmal mehr finden wir eine absolute Kohärenz zwischen dem Meisterwerk, der Struktur, der Bedeutung und der Neubewertung, der impliziten und expliziten Botschaft. Die erste bleibt unter den Farben und Linien verborgen und rekonfiguriert die Wahrnehmung des Beobachters jedes Mal, wenn sie innehalten, um das Kunstwerk zu betrachten.

Da wir die vorherigen goldenen Studien als ausreichend erklärten, laden wir Sie hiermit ein, die Struktur der folgenden Meisterwerke auf eigene Faust zu entdecken. Um Ärgernisse durch mathematischen Missbrauch zu vermeiden, konzentrieren wir uns auf die Bedeutung und die plastischen Aspekte der erstaunlichen Kunstwerke von Kathrin Maye.
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Maye sagt über dieses Meisterwerk: "Es ist Licht innerhalb des Schattens". Mit einer offensichtlichen goldenen Schnitt Struktur und einem großen Nicken an Tapies und viele seiner ähnlich organisierten Gemälde gehört dieses zweifellos zum Informalismus.

Erneut zeigt Maye ihre Fähigkeit, mühelos über Stile und Schulen hinwegzugehen und großartige Meisterwerke zu schaffen. Auf dem Boden sehen wir eine rosa Farbe sowie die düstere Palette von Georges Mathieu im Hintergrund des unbetitelten Kunstwerks (Öl auf Leinwand), das sich in den Kunstarchiven der Art Basel Hong Kong 2018 befindet.

In diesem Meisterwerk verletzt Maye - genauso wie Tapies - das Markenzeichen des Informalismus, nämlich den Mangel an Struktur: Sie ordnet ihn an der ersten goldenen Teilungsebene des Bildes an und respektiert den Fluchtpunkt nach rechts und verwendet einen Abstieg nach links, was ihm eine vollständige Wahrnehmung der Ebene, des Objekts und des Raums verleiht.

Ein Licht im Schatten, das sich auf der rechten Seite stützt, unterstreicht noch mehr das zuvor erwähnte Prinzip des Gleichgewichts (siehe vorherige Grafiken).

Ein Lichtstrahl erscheint als breiter Pinselstrich, der erneut die Grenze zwischen Boden und Figur auflöst. Aufgrund der Präsenz von Rosa ist unklar, ob es Abwesenheit und Transparenz ist oder ob es eine Möglichkeit ist, die Grenze zwischen Linie und Objekt, Linie und Farbe zu durchbrechen. Dies ist ein einzigartiges Merkmal von Mayes Kunstwerken.

Licht und Schatten können nicht ohne einander existieren. Der Dualismus ist sowohl auf dem Boden als auch auf dem leuchtenden Strich explizit. Maye lädt uns ein, darüber nachzudenken, in unseren inneren Lichtern und Schatten sowie in den Lebensphasen. Wie immer spricht sie über den Triumph der Freude und Hoffnung über allem. Deshalb scheint der Lichtstrich aus dem Bild herauszukommen und vor diesem meisterhaften Informalismus zu schweben.

Kathrin sagt uns etwas über dieses Kunstwerk: "Das Meer zeigt erneut seine Verschmutzung, die durch die Zivilisation verursacht wird. Die Meeresfauna ist in einem kleinen Bereich eingeengt; das Mädchen im Boot ist Greta Thunberg."

Erneut haben wir es mit einem perfekt organisierten Stück zu tun. Diesmal ist jedoch Gretas Bild trotz seiner Position als erster Punkt, den wir betrachten, fast im Meisterwerk verloren.

Maye spricht von der Plastikinsel und den Fischen, die am Meeresboden gefangen sind. Dies ist ein Anklagestück, mit dem sie uns dazu bringt, über unsere Verantwortung in dem absurden Umstand nachzudenken, dass wir unsere Umwelt verschmutzen. Sie stellt die menschliche Intelligenz aus Frieden und Harmonie in Frage.

Ein Kunstwerk in Farbe, aber nicht hyperrealistisch. Es enthält eher Nuancen und eine Ordnung, die würdig ist für Mark Rothkos "Nummer 15" aus dem Jahr 1957, jedoch umgekehrt. Ein dunkelblauer Himmel ruft eine eisige und immaterielle Tiefe hervor, feierlich und statisch: Maye verwendet diese Eigenschaften, um die Ernsthaftigkeit dieses Themas zu diskutieren, während das Meer einen helleren Farbton zeigt, der gleichgültig und leer wird, wie unsere Einstellung zum Problem. Wie immer besteht eine tiefe Kohärenz zwischen der chromatischen Botschaft und dem Untertext der Bedeutung.

Greta trägt ein grünes Kleid. Wir haben bereits die Eigenschaften dieser Farbe vorgestellt: Hoffnung und Frieden. Sie betrachtet das Desaster aus dieser Hoffnung heraus: Sie segelt in einem Boot durch das Gemälde, die Fische sind in einem kleinen, aber chromatisch sehr reichen Raum eingeschlossen, um die Schönheit dessen zu zeigen, was wir verlieren. Deshalb enthält es Rot, aufgrund der Liebe und Leidenschaft, die inherent am Leben sind.

Maye erklärt, dass dieses Meisterwerk eine Anspielung auf Covid ist. Wir werden weder die perfekte Anordnung desselben behandeln noch erklären, wie die Linien meisterhaft gehalten sind.

Dieses Kunstwerk ist offensichtlich informell und enthält einen deutlichen Verweis auf Karl Otto Götz. Es zeigt uns ein verfärbtes Blau, was Traurigkeit und Verlassenheit impliziert. Wie üblich werden vertikale Linien verwendet, die Erde und Himmel verbinden, als handele es sich um aufsteigende Seelen. Außerdem sehen wir die schwarzen Striche auf gebogenen Linien mit einer deutlichen Neigung zur Vertikalität. Wir haben diese bereits erklärt, indem wir Kandinsky folgen, das Ideogramm des toten Mannes.

Wieder einmal erstaunt uns Maye mit einer strengen Kohärenz zwischen Botschaft, Anordnung und Struktur der Ebenen und dem Chromatismus. Sie setzt sich mit dem Tod für die Menschheit auseinander, während sie aquamarinblaue Striche als eine Art leuchtende Hoffnung verwendet.

Wir beobachten die wunderbare Besonderheit eines neuen Konzepts, das innerhalb der Eigenschaften der Linie generiert wird. In ihren meisterhaften Pinselstrichen fällt auf, wie Schwarz an den Rändern der Striche bleibt, Parallelitäten zieht und einen erhabenen Dialog zwischen ihren Eigenschaften schafft. Um dieses Meisterwerk zu verstehen, werden wir kurz die Eigenschaften der Linie erklären.

Maye sagt: "Das ist ein Spiel zwischen Grün und Blau." Dies informelle und harmonische Meisterwerk des abstrakten Expressionismus zeigt zweifellos den Stil von Helen Frankenthaler sowie den typischen Rückenspritzer von Rufino Tamayo. Es ist perfekt organisiert und folgt zweifellos den Regeln des Goldenen Schnitts – wie wir nicht nur an den Vertikalen und ihren Anfängen (sowohl grün als auch blau), sondern auch horizontal sehen können. Es hat auch die Besonderheit, sich innerhalb eines anderen zu befinden, wie bei der Art von Rahmen, der es mit einer totalen Jugendstil-Palette und einer absolut konstruktivistischen Windradstruktur enthält, die wir geistig entfernen, um das weiße Kunstwerk vorne zu sehen.

In diesem prächtigen Meisterwerk finden wir den Verweis auf drei Schulen ohne jeden plastischen oder ethisch-ästhetischen Konflikt. Dieses Meisterwerk verströmt Freude, zeigt jedoch auch eine kraftvolle Energie, indem es Ocker und Siena im Umkreis verwendet. Das Auge wird gezwungen, es mit identischer Aufmerksamkeit vollständig zu lesen, aufgrund der subtilen Linien, die über das Weiß laufen, bis zum Ende unten rechts mit drei horizontalen Akzenten (drei kurze Diagonalen übereinander). Die Figur in der Mitte mit dem Sienastrich gleicht aus und verbindet den Umkreis mit der gesamten Ebene, indem sie den Weg zu dem beschreibt, was zuvor erwähnt wurde.

Dies ist auf den ersten Blick ein einfaches und schlichtes Meisterwerk. Es erfordert jedoch großes Können von Maye und enthält viele Leseebenen. Wenn wir es anstarren und dann unseren Blick entspannen, werden wir die Bewegung und Veränderung in unserer Wahrnehmung bemerken, als wäre es ein chromatisches Experiment von Plank, oder Troxler, oder ein Kunstwerk von Akishory Kitaoka. Es ist ein quanten- und plurilesendes Kunstwerk. Es ist tatsächlich ein großartiger Beitrag zur Malerei des kommenden Jahrhunderts.

Maye sagt uns, dass dieses Meisterwerk "Eine Kuh isoliert auf einer verschmutzten Wiese" repräsentiert. Es bildet ein Pendant zu dem Werk mit dem Meer. Beide sind Kunstwerke, die auf die Klimakatastrophe aufmerksam machen.

Von den Höhlenmalereien an sind Rinder intrinsisch mit der Menschheit verbunden. Hathor ist die ägyptische Göttin der Liebe, Freude und des Tanzes. Am Anfang hatten wir die Darstellung der Milchstraße – das ist der Grund für den Namen unserer Galaxie –, Milch, die aus dem Euter einer kosmischen Kuh strömt. Später wurde es als eine Frau dargestellt, die Kuhhörner zeigt, und auch als eine Kuh, die eine Sonnenscheibe mit ihren Hörnern hält. Auðumbla, die große kosmische Kuh in der nordischen Mythologie, stammt von den Eisbergen und wird in Niflheim geboren (Welten der Dunkelheit, Schwarzheit und Drachen). Von Auðumbla, die das Eis leckt und einen Mann namens Buri – den ersten Gott in der nordischen Mythologie, usw. – befreit, bis zur indischen Kultur bis heute.

In diesem Meisterwerk erzählt uns Maye von der heiligen Bedeutung der Kuh. Statt aus der Sicht der Göttin tut sie dies als Symbol für Ernährung, die Nahrung, die Leben ermöglicht und aufgrund unserer Handlungen gefährdet ist. Maye wählt grüne Nuancen mit blauen, hellblauen und gelben Pinselstrichen, verwendet dunkle Flecken, eine hypnotische und psychedelische Textur sowie eine Variation des ikonischen Chromatismus, der fantasiehaften oder magischen Farbe, als ob sie eine Solarisation an ein Bild einer schmutzigen Wiese im Stil von Ouka Leele praktizieren würde.

Diese Kuh hat rote Flecken, wie auch Ouka Leele, die in der Tat Blut darstellen, das von ihr tropft, und den dunklen Raum, den das Tier einnimmt. Diese phantasievolle Verwendung der Farbe dekonzeptualisiert die Vorstellung einer Wiese, die durch diese neue chromatische Übertretung (ein Prinzip des Surrealismus) verständlich wird und fortan eine Pfütze verschmutzten Wassers mit Ölen darstellt. Dieser Raum wird beunruhigend und verwirrend.

In diesem expressionistischen Meisterwerk im Stil von Die Brücke und den Kühen von Ernst Ludwig Kirchner mit einem eher poppigen Ansatz lässt uns Maye eine Anklage gegen etwas Schreckliches in gutem Geschmack erahnen und ist dabei nicht vage oder feige, sondern mutig und elegant.

Wie immer gibt uns Kathrin selbst in ihren Anklage-Meisterwerken einen subtilen Hauch von Hoffnung. In diesem Fall wird dies durch die zentrale Pyramide in Gelb gegeben; Gelb ist auch der Rücken der Blutlinie, und dieses große Dreieck in Gelb ist eine Struktur, die völlig der Renaissance entspricht. Mit dieser Farbe weist sie auf das himmlische Licht hin, als einen neuen Anfang, für den klaren Verstand und den Überfluss an guten Dingen.

Maye sagt uns, dass dieses Stück eine "Hommage an den großartigen Schöpfer der Marke Versace und den großartigen Designer Giovanni Maria Versace", auch bekannt als Gianni Versace, ist.

In diesem Meisterwerk können wir sehen, dass Kathrin, genauso wie Gianni, einige Akzente setzt und erneut darauf besteht, die Grenze zwischen Mode und Kunst mit seinen Kleidern für Theater und Kino zu durchbrechen, einschließlich dieses ikonischen Stoffes in ihrer Kreation.

Mode ist Kunst, und darüber gibt es in der heutigen Welt keine Diskussion. Es ist wahrscheinlich künstlerischer als viele Kunstwerke, die wir in Kunstgalerien finden können, besonders im Fall von Versace.

In einem Kunstwerk, das reich an Rosa, Fuchsia und Lila ist - wobei diese drei Farben auch der Name von Blumen sind -, lädt uns die Künstlerin in eine Welt der Schönheit, Ruhe und Harmonie ein, die durch die innere Bewegung von Rot, abgemildert durch Weiß, bereitgestellt wird. Wir können ein plastisches Element in Rot in der unteren rechten Ecke bemerken, im besten Corot-Stil, wie wir es bereits für andere Meisterwerke von Maye erwähnt haben: Es kompensiert die natürliche Bahn des Blicks und folgt einem kreisförmigen Stück, so gut organisiert und kompensiert, dass es fast kugelförmig ist.

Maye und ihre übliche Kohärenz zwischen dem Malerischen, dem Symbolischen und dem Plastischen verblüffen uns mit diesem Meisterwerk, das von Kindern des Violett durchdrungen ist, der Farbe der Mäßigung, Klarheit und tiefen Gedanken. Es ist auch eine mystische Farbe, die die Introspektion symbolisiert.

Wie wir bereits über Heinrich Wölfflins Synthese gesagt haben, ist Maye perfekt. In diesem Fall können wir deutlich sehen, dass dieses großartige Meisterwerk auf eine einzigartige Synthese antwortet: Vision into Unity par excellence, eine ungewöhnliche Eigenschaft in einem Werk, das dem informellen Materie angehört, dessen Kunstwerke hauptsächlich von großen Strichen getragen werden.

Über dieses hervorragende und beredte Meisterwerk sagt Maye: "Es ist die Geschichte der Zeit, die vergeht". Wir können darin eine perfekte Anordnung im Goldenen Schnitt finden, wie bereits für ihr gesamtes Werk festgestellt wurde. Wir haben es mit vier grundlegenden Elementen zu tun: erstens sehen wir von oben nach unten das aufsteigende rote Dreieck; wie bereits über die Diagonalen erklärt wurde, hält dieses Dreieck eine Kurve oder das Segment einer Umfangslinie, dann eine Linie mit verschiedenen Farben und Nuancen plus ein Rechteck unten, was eine Anspielung auf die Grundkörper von Luca Pacioli darstellt. So baut Kathrin dieses höchste Meisterwerk.

Nun können wir über die Bedeutung und Resignifikation sprechen. Dieses Meisterwerk ist erneut die Anklage gegen die menschliche Barbarei. Es führt uns eine Geschichte von Pulver vor, wie es durch ein Horn gezeigt wird, um es aufzubewahren und zu bewahren. Es wird von einem roten Faden gehalten, der die Farbe der Leidenschaften und des Blutes hat. Im Hintergrund dieser beiden Elemente können wir sehen, was Maye über den "Explosionspunkt" sagt; wir können eine Textur aus Rhomben erkennen, die am zentralen Element des Meisterwerks repliziert ist. Wir können auch einige Ausdrücke finden, als ob es sich um eine verlorene Seele handeln würde.

An der zentralen Linie, an der die Rhomben angezeigt werden, sagt uns Maye: "Die Fäden sind die Linien, die wie Wasser in einer Kaskade aus der Vergangenheit fließen. Als großes abschließendes Element wird jeder verstehen, was er möchte oder kann, aus den beiden Texten von Charles Baudelaire.

Um dieses perfekte Meisterwerk zu beenden, setzt Maye einen roten Kreis oben auf ihre Signatur mit einem kleinen Akzent links, was das Rot vom Dreieck und das Rot vom Kaskadenelement in der Mitte harmonisiert, um der natürlichen Neigung des menschlichen Auges über die Ebene zu schauen. So wird das Meisterwerk abgeschlossen und vollendet, indem es eine unsichtbare, aber spürbare Diagonale über Baudelaires Texte hinweg zieht und uns dazu einlädt, über diese Linien nachzudenken, innerhalb der allgemeinen Botschaft des Meisterwerks und darüber hinaus.

Wieder einmal öffnet Kathrin Maye die Tür zu einer neuen Synapse.

Dieses Meisterwerk spricht für sich selbst. Innerhalb einer absolut konstruktivistischen Struktur aus Quadraten und Rechtecken lässt uns Maye ein Stück wunderschöner Nuancen und Töne betrachten, die im krassen Gegensatz zu seiner schrecklichen Bedeutung stehen. Es ist nicht einmal notwendig, diese beiden Personen zu erwähnen, die für schreckliche Völkermorde verantwortlich waren, um den Anklagegehalt dieses Meisterwerks zu verstehen.

Wieder einmal zeigt uns Kathrin als Künstlerin, die sich über Ethik und Werte hinaus für Politik und Religion einsetzt, auf sehr mutige Weise ihre Liebe zum Leben als grundlegendes Konzept für unsere Existenz sowie ihren tiefen Respekt und ihre Faszination für das Leben.

Es ist mehr als klar, welchen Ton Maye für dieses Meisterwerk wählt, das vom Rot dominiert wird. Diese Anklage innerhalb eines perfekt organisierten, mit solch einem reichen Chromatismus durchzogenen Stücks, das einzigartig ist, zeigt uns die menschliche Brutalität im Kontrast zur Schönheit ihrer Pinselstriche, wie eine Hymne an die Hoffnung oder die Sonne selbst, die jeden Morgen gleichgültig gegenüber den Gräueltaten aufgeht, die von der Menschheit begangen werden. Das ist der Grund für seinen Titel, Niemals wieder.